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Cualquier valoración positiva, cualquier adjetivo que se emplee para calificar la música de este cuarteto de Liverpool, sería repetir lo dicho mil veces. Porque The Beatles como término, como concepto, es en sí mismo sinónimo de calidad, de innovación, de rock and roll (de buen rock and roll). Es sinónimo de música, de cultura, y de éxito.

A continuación, haremos una lista con varias de las mejores canciones de Los Beatles. Como siempre decimos, con seguridad habrá muchos otros temas que podrían también estar aquí, de esta mítica banda.

 1 Listado de algunos de los mejores temas de Los Beatles

    1.1 Don’t let me down
    1.2 Hey Jude
    1.3 Hello, goodbye
    1.4 Penny Lane
    1.5 Yellow submarine
    1.6 Stawberry fields forever
    1.7 All you need is love
    1.8 Twist & Shout
    1.9 Yesterday
    1.10 I saw her standing there
    1.11 I want to hold your hand
    1.12 Let it be
    1.13  Come Together
    1.14 Tomorrow Never Knows

Listado de algunos de los mejores temas de Los Beatles

Don’t let me down

  Grabada el 28 de enero de 1969 y publicada a finales de abril de ese mismo año. La autoría es atribuida al dueto Lennon/McCartney, aunque muchos sostienen que solo el primero trabajó en su composición. La canción alcanzó la posición número uno en las listas de Australia, Canadá y Suiza.

 Hey Jude

Grabada entre el 31 de julio y el 1 de agosto de 1968, atribuida también a  Lennon/McCartney. Para la revista Rolling Stone, es la octava mejor canción de todos los tiempos. Con 7.11 minutos de duración, se convirtió en su momento en el sencillo más largo en ocupar el puesto número uno en las listas de Estados Unidos. También llegó a la cúspide en los charts de Reino Unido, Canadá, Países Bajos, Nueva Zelanda, Alemania, Irlanda, Australia y Francia. Para gran parte del público, ésta es la mejor canción de Los Beatles.

Hello, goodbye

Grabada entre el 2 de octubre y el 2 de noviembre de 1967 en los estudios EMI de Londres. Aunque también se atribuye al dueto Lennon/McCarney, hay quien sostiene que fue el segundo quien la compuso, durante una rutina de improvisación en la cocina de su casa. A John Lennon parecía que esta canción no le gustaba particularmente. Número 1 en Reino Unido, Estados Unidos, Canadá, Países Bajos, Noruega, Alemania, Nueva Zelanda y Australia.

Penny Lane

Grabada entre el 29 de diciembre de 1966 y el 17 de enero de 1967. Los usuarios de Rateyourmusic.com la catalogaron como el mejor single de la historia, mientras que la revista Rolling Stone le dio el peldaño 449 dentro de su ranking con las Mejores 500 Canciones de Todos los Tiempos. La letra hace referencia a una calle de Liverpool que Lennon y McCartney recorrían juntos en autobús hasta el centro de la ciudad. Número 1 en los charts musicales de Estados Unidos, Canadá, Países Bajos, Nueva Zelanda, Australia y Alemania.

Yellow submarine

Grabada entre el 26 de mayo y el primero de junio de 1966 en los estudios EMI de Londres. Muchos asociaron la idea de un submarino amarillo con drogas, aunque Paul McCartney asegura que la idea simplemente le vino un día a su cabeza, y que la única asociación que se le ocurría eran unos dulces que probó alguna vez en Grecia. Pocos le creyeron. Alcanzó la cima de los listados de Reino Unido, Canadá, Países Bajos, Noruega, Alemania, Irlanda, Nueva Zelanda y Australia.

Stawberry fields forever

Grabada en varios momentos de 1968, el tema está inspirado en los recuerdos de John Lennon del jardín de infancia al que asistió de pequeño, llamado precisamente Stawberry forever. Número 1 en Países Bajos, Noruega y Australia. Según el ranking de la revista Rolling Stone, esta es la septuagésima séptima mejor canción de todos los tiempos.

All you need is love

Grabada entre el 14 y el 25 de junio de 1967, este tema fue el primero que se transmitió en televisión de manera internacional, alcanzando 30 países y más de 400 millones de televidentes. Alcanzó lo más alto de la lista de países como Estados Unidos, Nueva Zelanda, Noruega y Reino Unido, entre otros.

Twist & Shout

Los Beatles versionaron este popular tema escrito por Phil Medley y Bert Russell y lo incluyeron en su primer álbum de estudio “Please Please Me”. Por supuesto que la versión del cuarteto de Liverpool es la más conocida de la canción.

Yesterday

Se grabó en un solo día, el 14 de junio de 1965. Compuesta por Paul McCartney, según el libro de récords Guinnes, es la canción con más emisiones en las radios del mundo. También es el tema más versionado en la historia de la música, con más de 1600 reinterpretaciones.

I saw her standing there

Grabada el 11 de febrero de 1963, esta es la canción que abre el álbum debut de la banda “Please, please me”. Para la revista Rolling Stone, ocupa la posición 139 del ranking con las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

I want to hold your hand

Grabado el 17 de octubre de 1963, este tema fue el que abrió las puertas del éxito para la banda en Estados Unidos. Se han vendido más de 15 millones de copias de este sencillo, lo que lo convierte en el más rentable de la banda. Según la lista de la revista Rolling Stone, ocupa la posición número 16. Además de Estados Unidos, alcanzó el puesto 1 en los chats de Reino Unido, Noruega, Alemania, Australia y Canadá

 Let it be

Para muchos, esta es la canción de despedida de la banda. De hecho, fuel el último sencillo publicado antes de la disolución. McCartney afirmó en una entrevista, que la letra de la canción vino a su mente luego que su fallecida madre se le apareciese en un sueño, justo en medio de las turbulentas sesiones de grabación del disco homónimo. “Tranquilo, todo va a estar bien. Déjalo ser”. A pesar de que McCartney quedó inconforme con el resultado de la canción (y de todo el disco), el tema alcanzó el número 1 en varios mercados, incluyendo Reino Unido, Canadá, Estados Unidos y Noruega.
 Come Together

Grabada del 12 al 30 de junio de 1969. Originalmente, era un eslogan publicitario que John Lennon escribió para Timothy Leary de cara a las elecciones en California. Pero el proyecto se interrumpió abruptamente, luego que el candidato terminase preso por posesión de Marihuana.
Tomorrow Never Knows

Considerada como la canción más experimental y psicodélica de la banda. John Lennon tomó como punto de partida para armar la letra de este tema, el libro La Experiencia Psicodélica, escrito por Tomothy Leary, Richard Alpert y Ralph Metzen.

Y pensar que solo estuvieron juntos por 10 años…

Este 5 de agosto se han cumplido 50 años de la edición del álbum ‘Revolver’ (1966) de los Beatles, el disco que marcó un antes y un después en su discografía, y para muchos melómanos el más sobresaliente de todos a nivel creativo y experimental de su carrera.

‘Revolver’ representa el séptimo álbum de estudio en la discografía del cuarteto de Liverpool, un trabajo que puede considerarse como revolucionario para su época, que creó una nueva visión del pop-rock de los sesenta y que se presentó como uno de los primeros álbumes de la era psicodélica, que nació durante la segunda mitad de la década de 1960. Este álbum mostró la búsqueda creativa de los fab four por nuevos sonidos y composiciones, que dieron el punto final a su primera etapa artística.


Su trabajo anterior, ‘Rubber Soul’ (1965), dio un anticipo de esta nueva etapa artística que marcaba un salto creativo y de calidad, además de un perfil más adulto en sus composiciones. En esta época la banda británica decidió retirarse de los escenarios dado que consideraban algo imposible trasladar al directo toda la paleta de sonidos que incluían sus grabaciones, en las cuales ya se podían encontrar arreglos de cuartetos de cuerdas, instrumentos de viento, sonidos orientales y efectos de sonido inéditos.

Aunque ‘Revolver’ fue uno de los álbumes más comerciales de los Beatles, este trabajo ha destacado tanto por la calidad de su contenido como por la variedad y heterogeneidad de sus composiciones: con potentes muestras de rock (‘Taxman’), impecables baladas (‘Here, there and everywhere’, ‘For no one’), sobresalientes arreglos de cuerdas (‘Eleanor Rigby’), melodías infantiles (‘Yellow submarine’), toques de música soul (‘Good day sunshine’) y un gran aporte de música psicodélica (‘I’m only sleeping’, ‘She said she said’, ‘Love you too’)… Para los amantes del rock sin dudas ‘Revolver’ es uno de los discos pilares en la historia de la música de todos los tiempos.

En la semana Elvis de Graceland, que sucederá próximamente, se van a subastar diferentes objetos que pertenecieron a Elvis Presley. Uno de los más interesantes es la guitarra que utilizó en los ensayos de su especial de vuelta de 1968.

Otros objetos de interés son su partida de nacimiento, un traje negro y oro con el que actuaba, un anillo indio y un collar TCB.


La guitarra se la regaló Presley a Nancy Rooks y tiene un sunburst cereza con incrustaciones madreperla en el diapasón. Como elemento añadido a la guitarra se ofrece un estuche negro moderno de tapa dura Gibson.

Los expertos estiman un valor objetivo de la guitarra de 30.000 dólares, pero en la subasta saldrá a partir de $ 10.000. El acto de la subasta comienza el 13 de agosto.

Por otra parte, los herederos de Elvis Presley han presentado una demanda contra un casino-hotel de Las Vegas a principios de este año. Entre las alegaciones, se dice que el hotel está utilizando artefactos y objetos de interés relacionados con el rey del rock como parte de una disputa de arrendamiento.

A lo largo de estos últimos años, los herederos de Elvis han ido presentando demandas tratando de recuperar los trajes de escenario, joyas, cartas y un anuario de la escuela secundaria.

Recordemos que la primera grabación de Elvis Presley ya salió a subasta y se consiguió vender por 300.000 dólares. Se trataba de un viejo disco de acetato de 1953 con “My Happiness”, de cara A, con ‘That’s When Your Heartaches Begin’ en el lado 2. El tema lo grabó Presley por su cuenta y riesgo, tenía por entonces 18 años.

En cuanto a los datos que se tienen de esta primera grabación, los expertos aseguran que el mítico Rey del Rock tuvo que escuchar a la canción en la casa de un amigo ya que su familia no tenía tocadiscos.

El pasado jueves (7) y viernes (8), el conocido músico David Gilmour volvió a Pompeya (Italia), en el Anfiteatro que lo tuvo como protagonista con su exgrupo Pink Floyd hace 45 años.

Estas presentaciones marcaron el regreso de David Gilmour a la localización donde se grabó el histórico concierto en 1971, que marcó un hito en las presentaciones en vivo en la historia del rock. Este mítico concierto a puerta cerrada, sin espectadores, fue inmortalizado en el film rock-documental del director Adrian Maben que llevó por nombre ‘Pink Floyd: Live at Pompeii’. Con solo sonar la introduccion, ‘Wish you were here’, casi 3 mil seguidores llegados de toda Italia y del extranjero entraron en un delirio colectivo que estremeció las ruinas de Pompeya.



Los seguidores de Gilmour han sido sumamente afortunados, porque nunca antes en el anfiteatro de Pompeya se había celebrado un concierto de rock con el público presente, pero es de saber que este privilegio tuvo un costo muy alto dado que cada uno de los asistentes debió pagar nada menos que 345 euros por entrada, un hecho que ha suscitado una fuerte polémica en los últimos meses.

El monumental espectáculo de David Gilmour fue una verdadera comunión entre el consagrado artista y su multitud de seguidores, que disfrutaron de un escenario colmado de luces, fuego e inclusive presenciaron una simulación del volcán con fuegos artificiales que evoco la destrucción que la ciudad sufrió muchos siglos atrás.

Gilmour interpretó clasicos como ‘The Great Gig in the Sky’, el gran éxito del álbum ‘The Dark Side Of The Moon’, y otros temas a los que la multitud ovacionó constantemente. A lo largo del concierto Gilmour señaló a su público lo feliz que se sentía de estar nuevamente en este monumental recinto lleno de historia después de tantos años, en compañía de sus seguidores.

El concierto se dividió en dos sets en los que el guitarrista interpretó varios éxitos de su trayectoria, incluidos temas de Pink Floyd como ‘Comfortably Numb’, ‘Wish You Were Here’ y ‘Money’. El músico mostró su espectáculo en la mitad del recinto montado sobre una plataforma, y con un proyector detrás que funcionó como escenografía de toda la presentación.

Leopoldo Dante Tévez, más conocido en el ámbito de la música como Leo Dan, nació el veintidós de marzo de 1942, es considerado uno de los mejores artistas de Argentina de todos los tiempos, ya que grabó alrededor de 36 discos a lo largo de su trayectoria musical.

Además es reconocido por componer más de dos mil canciones, todas ellas se encuentran oficialmente inscritas en el Registro de Autores y Compositores, entre los temas existen de varios géneros como por ejemplo: Cumbia, Tango, Vallenato y Baladas.

Sus canciones más populares

Leo Dan, tuvo varios éxitos que ocuparon las primeras casillas de los listados de popularidad en los años 60 y 70, entre sus canciones más populares se pueden mencionar algunas como por ejemplo: “Celia”, “Esa pared”, “Mary es mi amor”, “Como te extraño”, “Con los brazos cruzados”, “Siempre estoy pensando en ella”, “¿Cómo poder saber si te amo?”, “Sólo una vez”, entre algunas otras.

Además estuvo presente en cuatro películas en pequeños papeles, las cintas en las que participó Leo Dan fueron “La muchachada de abordo”, La novela de un joven pobre”, “Santiago Querido”, “Como te extraño mi amor”. Pero también escribió y publicó el libro titulado “Un pequeño grito de fe”.

Leo colaboró con varios artistas

Desde el día del lanzamiento de su primer material discográfico que llevo su nombre en 1963, el cantante ha colaborado con varios artistas muy importantes a los largo de su carrera, entre los que se pueden mencionar están: Julio Preciado, Marisela, La Sonora Dinamita, Toño Rosario, Eddy Herrera, José José, Café Tacuba, Pedro Fernández, entre algunos otros.

Uno de los mayores exponentes de la música Country de todos los tiempos sin duda es Kenneth Ray, más conocido como Kenny Rogers, artista que nació en 21 de agosto de 1938 en la ciudad de Houston – Texas, a pesar de haber crecido en uno de los barrios más pobres, su padre lo instaba a que compusiera canciones, debido al talento que tuvo desde pequeño.

Fue de esa manera como el Rogers, compuso los temas titulados “The coward of the Country” y “Ruby don’t take your love to town”, iniciando de esa forma su carrera en la música a muy temprana edad.

El cantante tuvo influencias de Nat King Cole

En varias ocasiones, Kenny, confesó que una de sus grandes influencias fue Nat King Cole, además de Chuck Berry, Arthur Alexander y Charlie Daniels. En 1977 estrenó el corte promocional titulado “Lucille” con el que obtuvo gran éxito en los listados de popularidad de los Estados Unidos.

Sus principales discos

Entre sus principales producciones discográficas se pueden mencionar algunas como por ejemplo: “Kenny Rogers” y “Love lifted me” que se estrenaron en 1976,”The gambler” que salió al mercado en 1978, “Gideon” en 1980, “Share your love” en 1981, “I prefer the moonlight”, entre muchas más.

Además fue el creador de la serie de televisión Jackass en el 2000, programa que aún continúa vigente en varios países del mundo gracias a los altos niveles de raiting que ha tenido.

Aproximadamente en el año de 1969, un grupo de chicas formado especialmente por las hermanas Uranga y otros chicos iniciaron a ensayar y a presentar pequeños recitales en bares y discotecas de Vizcaya con el nombre de Mocedades.

Debido a la aceptación del público de aquella localidad los jóvenes deciden mandar un demo a varias disqueras de Madrid sin obtener resultados, hasta que Juan Carlos Calderón decide guiarles la carrera a los talentosos músicos.

‘Pange lingua’, el primer tema de la agrupación

Tras firmar un contrato, Mocedades, grabó su primer tema que llevó por nombre “Pange lengua” y gracias al gran éxito con el que contó en varios países de Europa años más tarde lanzaron la canción “Eres tú” con el que finalmente se posicionó dentro de los favoritos del público español.

Con esta última canción lograron conquistar el de Latinoamérica, en donde estuvieron por varios meses en los primeros puestos de los listados de popularidad, pero sus fans les exigían más temas para poder disfrutar de sus interpretaciones, fue así como estrenaron otros cortes promocionales como por ejemplo: “Tómame o déjame”, “La otra España”, “Secretaria”, “El vendedor”, “Sólo era un niño”, entre algunos otros.

“Amor”, uno de los discos más exitosos de Mocedades

Durante 1980, terminaron de grabar su material discográfico titulado “Amor”, y sin duda es uno de los más exitosos de toda la trayectoria musical de Mocedades, prueba de ello es que en España logró vender alrededor de medio millón de copias.

Los españoles lograron estrenar un total de veintidós álbumes entre los que se pueden nombrar títulos como por ejemplo: “Colores”, “La música”, “Kantaldia”, “Amor de hombre”, “Desde que tú te has ido” y “Mocedades canta a Juan Luis Guerra”, producción que fue la última en el 2007.

Sin duda en la actualidad es muy difícil vender millones de discos alrededor de todo el mundo, pero hace ya varios años la cantante española, Rocío Durcal, logró vender alrededor de ochenta millones de copias de todos sus álbumes  en el planeta.

Además es conocida por muchos de sus fanáticos como “La reina de las rancheras” por ser una de las mejores artistas en este género musical, gracias a la potente voz que poseía y con la fuerza con las que interpretaba cada tema.

Sus inicios

Los primeros pasos los dio cantando en varios concursos de canto y festivales que las radios y canales de televisión de España organizaban, fue precisamente en el show “Primer aplauso” cuando cautivó al productor, Luis Sanz, quien la llevó al estrellato.

Fue en 1962 cuando finalmente estrena su primer material discográfico titulado “Las películas de Rocío Durcal”, gracias al éxito que tuvo en Europa un año después sacó al mercado “Trébole”, producción con la que finalmente se consolidó en el mundo de la música.

Colaboró con varios artistas

Durante gran parte de la trayectoria musical de Durcal, se le caracterizó por colaborar con varios artistas entre los que se pueden mencionar se encuentran nombre como por ejemplo: Palito Ortega, Camilo Sesto, Daniela Romo, Amalia Mendoza, Juan Gabriel, Enrique Guzmán, Raphael, Pepe Aguilar, entre muchos más.

Uno de sus sencillos más exitosos sin duda fue “Amor eterno”, debido al sentimiento que esta canción posee en su letra. Sobre estas líneas precisamente puedes observar el vídeo del tema.

Sin duda durante la década de los ochentas y principios de los noventa una de las bandas más exitosas y reconocidas de todo el mundo era Bon Jovi, quienes con su característico estilo de Hard Rock cautivaron a miles de personas.

La agrupación tuvo sus inicios en la ciudad de Sayreville – Nueva Jersey, en el año de 1983, y desde ese momento no pararon de cosechar triunfos y logros, con cada material discográfico que estrenaban en el mercado.

“Slippery when wet’, el primer álbum de la banda

Los chicos de Bon Jovi, lanzaron el disco titulado “Slippery when wet”, que logró posicionarse como los mejores de la época, hasta el punto que en 1987 fue considerado el álbum más vendido en todo Estados Unidos.

De este material discográfico se desprendió el sencillo que llevó por nombre “Livin on a prayer”, que fue catalogado como el mejor corte promocional de los ochenta por una cadena de televisión muy importante en Norteamérica.

“It’s my life’, su canción más popular

En 1995 la banda decidió darse un descanso por un buen tiempo, y fue hasta en el 2000 cuando Max Martín, Jay Orpin, Jon Bon Jovi y Richie Sambora se reunieron nuevamente para grabar la canción “It’s my life”.

Este tema recorrió todo el mundo, ya que estuvo en la primera casilla de los listados de popularidad de varias partes del mundo por bastante tiempo, y según los expertos es una de los tracks más populares de Bon Jovi. Sobre estas líneas puedes observar el vídeo oficial de esta exitosa producción.

Sticky Finger, cuyo título en español es “Dedos Pegajosos”, es uno de los álbumes de estudio de la banda de rock “The Rolling Sontes”, el mismo se lanzó en el año de 1971 y su producción estuvo a cargo del estadounidense Jimmy Miller.

Los trabajos de grabación dieron inicio en diciembre de 1969 y finalizó en enero del 71 y supone el tercer trabajo realizado por Miller para la banda británica. Es importante destacar que en esta ocasión se contó con la participación de Mick Taylor en la guitarra, ya como uno más de los Stones, siendo el remplazo de Brian Jones.

Sonidos musicales

Los sonidos musicales que se incorporan a esta producción son los clásicos del rock and roll, blues, country y R&B, mismos que solían ser comunes en sus demás trabajos, pero en esta ocasión se caracterizaban por el tipo de letras que presentaban.

En ese sentido, los temas hacían referencia a esclavitud, las drogas y sexo interracial. En su portada, se incluyó pro primera ocasión el símbolo de los Stones de la lengua y los labios, el que fue realizado por John Pasché.

Tacklist y posicionamiento

La mayoría de las canciones fueron escritas y compuestas por Keith Richads y Mick Jagger, entre ellas se encuentran: Brown sugar, Wild Horses, Can´t you hear me knocking, Bitch, Dead flowers y Moonlight mile. 

Su aceptación fue buena, a tal grado que se posicionó en el primer lugar del UK Top 50 Albums así también ocupó la misma casilla en Bilboard Pop Albums tras su lanzamiento y años después sigue estando entre las 100 mejores producciones.

Machine head, es el sexto album de studio, de la banda inglesa de rock Deep Purple, que se lanzó al mercado musical en el año de 1972, y se considera al mismo como una influencia en la formación y desarrollo del Heavy Metal.

Este material fue un verdadero éxito para la agrupación, a tal grado que lograron obtener la posición número uno en Reino Unido y mantenerse durante veinte semanas en los primeros diez lugares en Estados Unidos, y en los Billboard durante más de 100 semanas.

Influencias y aceptación

Este disco se encuentra fuertemente influenciado por los géneros del jazz y blues, los mismos se pueden apreciar en temas como Higway Star que fue inspirado en uno de los trabos del Siglo XVIII del compositor y maesetro Johan Sebastian Bach.

Respecto a la aceptación, como se mencionó anteriormente, Machine Head, fue muy bien recibido tanto por la población británica como por los estadounidenses, donde permaneciendo en las listas durante dos años.

Deep Purple

La banda de hard rock se formó en Hertford – Inglaterra en el año de 1968, a lo largo de su trayecto han venido más de 100 millones de discos, en todo el mundo. Tuvieron un lapso de silencio a partir de 1976 a 1983 y fue hasta 1984 que la agrupación empezó a dar de que hablar nuevamente.

Sus miembros actuales son Jon Lord, David Coverdale, Joe Satriani, Rod Evans, Joe Lynn Turner, Ritchie Blackmore, Glen Hughes, Tommy Bolín y Nick Simper, cuyo último lanzamiento fue: Rapture of the Deep.

Who`s Next se convirtió en el quinto álbum de la banda británica de rock, The Who, el mismo se publicó en el año de 1971 y ha sido considerado por muchos especialistas como el mejor trabajo de la agrupación y uno de los mejores de todos los tiempos a nivel general.

Así la revista musical Rolling Stone, le otorgó el puesto 13 dentro de un listado de los mejores trabajos de estudio. Así tras su publicación alcanzaron la posición 28 como mejor álbum del año según The Village Voice.


Who`s next, tuvo sus orígenes en el proyecto Lifehouse, una ópera de rock y ciencia ficción, elaborada por esta misma banda, pero que fue abandonada por el aclamado álbum que hoy te presento.
Aunque aquel trabajo fue hecho a un lado, algunos de sus conceptos se mantuvieron en la grabación de este quinto sencillo, y se puede notar en el tema Pure and Easy, considerado como el pivote de Lifehouse.

Es innegable el gran éxito musical que tuvo esta producción, que gracias a los sonidos de las guitarras acústicas y la batería, lograron triunfar en el hard rock, a pesar de contar con algunas baladas y otros singles en violín y sintetizadores.

Algunas de las pistas son: Baba O`Riley, Love ain`t for keeping, Behind blue eyes, Baby don´t you do It, Water,Going Mobile entre otras, que hacen un total de 16 composiciones, que juntas se encuentran en los cien mejores álbumes de los años setentas y de todos los tiempos.

Tras su separación de la majestuosa banda “The Beatles” en 1970, George Harrison inició una interesante etapa en su carrera musical como solista y es así como lanza su primer material discográfico como tal, el que denominó “All things must pass” (en español: Todas las cosas deben pasar).

Este proyecto se convierte en un momento histórico en el mundo de la música, pues fue el primer álbum triple de un artista, donde el primer y segundo disco se encontraban canciones de este artista y en el tercero, una conjunto de temas improvisados en los que participan otros músicos, amigos y demás invitados.

El tracklist

Para muchos críticos, All things must pass, se convirtió en una verdadera obra maestra, considerado como uno de los mejores proyectos de un Beatle, por lo que obtuvo seis discos de platino por parte de la Asociación de Industria Discográfica de Estados Unidos.

En el tracklist, se encuentran temas como: I`d have you anytime, Wah-wah, Isn`t It a Pity, Run of the Mill, What is life, todas en el disco 1, por  su parte el disco 2 estuvo conformado por un total de 9 temas entre ellos Hear me lord, Apple Scruffs y I dig Love. Por último el disco cuatro contó con 5 canciones en las que hubieron varias colaboraciones.

Su reedición en el 2001

Debido a la buena aceptación que sigue tiendo la música de Harrison, en el año 2001 se realizó una remasterización de su primer proyecto en solitario; sin embargo solo puedo vivir lo neceario, para ver la reedición de All things must pass.

En esta ocasión, los tres discos de vinil, fueron reducidos a dos CD, a los que se adicionaron algunos temas, que también alcanzaron el éxito en países como Japón, Reino Unido y Francia donde permanecieron entre 3 y 5 semanas en las primeras posiciones.

La fama de Pink Floyd llegó a inicios de los años setentas, etapa en al que empiezan a dejar a un lado el género psicodélico y comienzan de esta manera su evolución, que es difícil de clasificar en un estilo específico, debido a la diversidad existente en sus integrantes y compositores.

El cambio les cayó muy bien, pues es ahí donde se producen las dos obras más importantes en su discografía, siendo éstas: “The dark side of the moon” (en español: El lado oscuro de la luna), en 1973 y “Wish you were here” (en español: Ojalá estuvieras aquí), en el 75.

The dark side of the moon

La publicación de éste gran éxito, fue lo que marcó el antes y después de esta agrupación, pues desde 1968, habían dejado de producir algún material discográfico o un sencillo de tal cuenta que con el tema Money, se rompen las tendencias y se llega a las primeras veinte posiciones en los listados de aquella época.
Y en Estados Unidos, el álbum entero se consagró como el número uno y por consecuente, uno de los más vendidos en la historia de aquel país, sobrepasando los quince millones de copias. Así tambien fue uno de los más vendidos en todo el mundo y permaneció en los Billboard por más de setecientas semanas.

Influidos por el Jazz

Este gran éxito tuvo una abundante participación del saxofón, y es ahí donde se inicia a apreciar las influencias del jazz en aquel grupo de rock. La obra más exponencial de este hecho lo constituye Wright, con un magnífico coro femenino que juntos dieron una textura distinta al material discográfico.

El tema sobre el que gira cada una de las pistas, es el ser humano y sus presiones a lo largo de la vida y su existencia. Poco tiempo después se publica el primer video en directo: Live at Pompeii, grabado en el anfiteatro de Pompeya (antigua ciudad romana).

¿Quién fue Pink Floyd?, seguramente sabes que fue una de las agrupaciones británicas de rock, más populares en la década de los setentas, debido a su estilo psicodélico que con el paso del tiempo evolucionó hasta llegar al rock sinfónico y progresivo.

La banda fue bastante conocida por sus temas con un amplio contenido filosófico, lleno de experiencias personales y musicales que dieron una revuelta a la música que se estaba acostumbrado a escuchar.

La formación del grupo

Nadie puede negar que Pink Floyd es una de las bandas más influyentes y trascendentales en el  mundo del rock, tras haber vendido un aproximado de 300 millones de discos alrededor del mundo.

En sus inicios se conformó por el guitarrista Bob Klose, el vocalista y teclista Richard Wright que falleció en el 2008, Nick Masson que estuvo a cargo de la batería, el vocalista principal, Syd Barret, primer líder, y por último el bajista Roger Waters.

Su primer álbum

En el 67 decidieron realizar su primer álbum el que llevó por nombre The piper at the gates of dawn, lanzado en el mes de agosto de aquel año, esto tras varias presentaciones en vivo. Actualmente este lanzamiento es considerado un ejemplo de la música psicodélica. 

La mayor parte de las letras de las canciones fueron escritas por Barret, y muestran un sentido un tanto poético y ecléctico en relación a la música. Entre los canciones más sonadas se mencionan: Interstellar Overdrive y The scarecrows.

Led Zeppelin, fue una de las agrupaciones inglesas de rock, más importantes y reconocidas en su género durante la década de los setentas. La banda fue fundada en 1968 por Jimmy Page, guitarrista; incluyó  en el proyecto al vocalista Robert Plant, al bajista John Paul Jones y en la batería  John Bonham.
En cuanto a sus influencias musicales, se tiene que se vieron inmersos por un amplio espectro de géneros como el blues, soul, rock and roll, celta, árabe, india, folk y country. He de suponer que fue gracias a esta rica y variada mezcla, que Led Zeppelin logró ser un éxito total en sus años.

El nombre de la banda

Al parecer el nombre de la banda se dio tras un chiste de Keith Moon, que estba a cargo de la batería en la también agrupación inglesa The Who, mientras estaban en una sesión de grabación, pues expresó que la banda que se pretendía formar sería un completo fracaso y se vendría a pique como “un Zeppelin de Plomo”.
Así que originalmente se llamó Lead Zeppelin, pero como lo recomendó su mánager, Peter Grant, lo mejor era suprimir la letra “a”, por cuestiones de pronunciación. Así y tras la conformación del equipo, se inicia una gira por Escandinavia, misma que llevó por nombre The new Yardbirds, en la que se dieron a conocer muchos temas de su álbum debut.

Los primeros discos

Su primer disco fue publicado el 12 de enero de 1969, con el nombre homónimo y se grabó en tan sólo una semana en Londres, específicamente en los estudios Olympic. No se publicaron sencillos en Inglaterra, toda vez que la aceptación por parte del público al inicio no fue muy buena y fue en Estados Unidos, donde realmente alcanzaron el éxito.

En el 69, culminaron sus giras por Europa y América, tras finalizar dieron paso a su segundo material discográfico, que se lanzó el 22 de octubre de 1969, ahora bajo el nombre Led Zeppelin II. Fue gracias a éste que se posicionaron en el primer lugar de las listas británicas y estadounidenses, siendo los temas más sonados: Whole lotta love y Heartbreaker.

La banda británica que de rock que se fundó en la ciudad de Londres y que fue considerada la más grande del mundo, logró en el 65 alcanzar el éxito mundial con su material discográfico: Satánicas majestades.
El álbum conocido en el habla inglesa como Their Satanic Majesties Request, logró posicionarse en la cima de los conteos de Gran Bretaña, donde se mantuvieron en la cima durante 13 semanas.

La evolución

Con este nuevo éxito, que incluyó canciones inéditas como Off the hooks, Grown up wrong y What a shames, la agrupación logró una evidente evolución hacia los géneros del blues y del R&B, de ésta manera tomaron como instrumento base la batería, para dar composiciones más suaves.
Se incluyeron constantemente otros instrumentos como la armónica (instrumento de viento – madera) y la slide guitarra, con los que se obtuvieron sonidos llorosos y melancólicos.

La publicación

La publicación en los Estados británicos se realizó el 15 de enero de 1965 y un mes después llego a Norte América, donde se editó bajo el nombre de The Rolling Stones, Now y se hizo acompañar por el famoso sencillo Heart of Stone. De esta manera, lograron estar en la cúspide de las carteleras de Europa, Australia y Canadá.
Respecto a la idea que motivó el material, se puede decir que el mismo encontró su inspiración en el consumismo norteamericano, donde un joven adolescente es considerado como un amenaza al statu quo, debido a sus ideas anticapitalistas, su frustración y relaciones sexuales. Definitivamente este es un álbum que no puedes perderte,

La banda de rock ácido, más destacada de los años 60s, fue sin duda, Iron butterfly, que se dio a conocer por su sencillo In a gadda da vida, mismo que dura alrededor de 17 minutos. Su título originalmente sería: In the garden of Eden (en español: En el jardín del Edén); sin embargo fue transformado cuando uno de los integrantes estaba bajo la influencia del LSD.

El single antes mencionado, cobra importancia en la historia del rock, porque a partir de él y otras bandas como Blue cheer y Steppenwolf, se marcan los inicios del heavy metal durante la década de los 70s.

Sus comienzos

La agrupación se fundó en 1966 en San Diego – California, con Doug Ingle, Darryyl DeLoach, Danny Weis, Jerry Penrod y Ron Bushy; sin embargo, a excpeción de Ingle y Bushy, los demás abandonaron la banda tras el primer material discográfico.

Fue su segundo álbum, el que incluyó el tema homónimo ya mencionado, el mayor éxito del grupo, posicionándose en los primeros diez lugares durante todo un año. Los otros miembros en este entonces fueron: Lee Dorman y Erick Brann. La disolución se llevo a cabo en 1971. Su última participación tras un reencuentro fue en 2004 con los miembros originales.

Heavy: El álbum debut

Heavy fue la producción con la que esta banda debutó, y se lanzó  a inicios de 1968. Dentro de lo más destacable es que dos de las canciones incluidas, Possession y Unconscious power, fueron escritas por Doug Ingle, tecladista del quinteto.

El track más extenso fue Iron butterfly themme, que duró alrededor de 4 minutos. Otros temas incluídos fueron: Get out my life, Gentle as it may seem, So – Lo, Fields of sun, You can´t win y Stamped ideas; algunos de éstos tambien formaron parte de su Segundo lanzamiento, con el cual alcanzaron el verdadero éxito.

Los tiempos están cambiando, es el tercer álbum del estadounidense Bob Dylan, y fue publicado por la casa Columbia Records en 1964. El material se convirtió en el primer Disco de Oro de este aclamado músico.

A parte del logro alcanzado, fue también el primero que contó con composiciones propias de Dylan, por lo que muestra narraciones secas con relación a problemas sociales como la pobreza y el racismo, influencias que arrastró en la producción que dio a conocer durante la agitada época de los 60s, década de conflictos sociopolíticos.
Generalidades

The times they are a – changin, se posicionó en los primeros 20 lugares de las listas Billboard, por lo que a los pocos días de su lanzamiento alcanzó el Disco de Oro, en Gran Bretaña e Irlanda del Norte obtuvo el puesto 4 tras ser publicado en 1965.

Tras el asesinato de John F. Kennedy (presidente de Estados Unidos) el 22 de noviembre del 63, tres días después del concierto de Dylan en el Carnegie Hall, el artista inició un interesante proceso como cantante de protesta, lo que le llevó a incursionar en nuevos ámbitos musicales.
Su sexta & última producción

La producción estuvo a cargo de Tom Wilson y las grabaciones dieron inicio el 6 de agosto del 63, la sexta y última sesión se realizó el 31 de octubre del mismo año, donde se produjo Restless Farewell, canción con la que se cierra el álbum y cuya melodía fue tomada del single irlandés, The parting glass.

Las composiciones de Dylan incluidas en el disco, aparte de la homónima son: Ballad of Hollis Brown, The Lonesome death of Hattie Carroll, North conuntry blues, With God on our side, Only a pawn in their game y el cierre antes mencionado.